L’Habitació Blava

La setmana passada no, l’altra vaig anar al Romea a veure L’Habitació Blava.

Bueno, distret, no? A veure: fan un tou de coses, molt de fornici, tot molt rodonet. Entretingut. Interessant. Diferent? Ideal per un diumenge a la tarda. Pujadet de to? sí… Molt treballat el moviment, molt ben muntadet.

Ara bé, crec que no sóc l’únic que pensa que no els hi passàven pas les coses de veritat. Cridaners, una estona. Connectats jo no ho vaig veure. Ja sé que som pesadets. Però què vol dir amb que no hi ha veritat? La veritat teatral és una utopia? No, home, no.

Des de la meva ignorància i la meva humiltat; quan als actors ens passa allò que fem i alhora som capaços de mostrar-ho al públic llavors és veritat. Per ens passa entenem que cos i ment connecten, flueixen energies i les accions, activitats, pensaments, sentiments, circulen lliurement per tot el nostre físic. Traducció: es veuen però no es forcen.

Difícil. Bé… com que parlem amb paraules impossibles i tenim la mania de classificar-ho en mètodes…

En resum, que si a més de totes les coses eròtico-boniquetes que fan ens empasséssim les seves relacions interpersonals amb patates això seria la òs…

Detallets: la cançoneta és una meravella. Sóc jo o en Nao Albet parla raro? No puc passar sense mencionar el cunnilingus al sostre: uau!!!!!

Fins aquí.

Hedda Gabler

Ja fa uns dies vaig anar al Lliure de Gràcia a veure Hedda Gabler, d’Ibsen; dirigida per en David Selvas.

Em va agradar, però al mateix temps trobo que van fer curt. Volia, m’atreveixo a dir que tota la platea volia, molta més Hedda Gabler. Quina dona, quin caràcter. Ella ho és tot, el seu egocentrisme autodestructiu fa que tots, públic inclòs, siguem ella i només ella. És l’únic que existeix. L’Univers sencer girem al seu voltant.

Ella era la Laia Marull, o ho intentava. En cap moment pretenc desmerèixer una gran interpretació; però l’actriu no arribava al personatge. Perquè Hedda Gabler és dolenta, és egoïsta, és manipuladora, capritxosa, consentida, insuportable, contradictòria; però sobretot és un remolí de seducció i sensualitat. No podem entendre l’obra sense aquesta força d’atracció que ella produeix en qualsevol cos animat o inanimat.

Vull mencionar la feina d’en Pablo Derqui, en un paper relativament secundari. Corprenedor, captivador, grandiós. David Selvas intervenia com a actor, a més de dirigir, en substitució d’en Francesc Orella, que s’havia trencat una cama pocs dies abans d’estrenar. Perfectament correcte, jo em quedo amb les ganes de l’Orella, però.

El muntatge és espectacular, rítmic i imprescindible sense ser pretensiós. Tot i així no vaig poder evitar recordar que ja fa un temps en Selvas va dirigir una Gavina de Txèkhov a la Villarroel amb menys recursos i actors molt menys consagrats on la veritat es transmetia sense cap mena de dificultat.

Fins aquí.

Qui té por de Virginia Woolf?

Veronese dirigeix Vilarassau al Romea, tot un evento.

Dimecres passat (Madrid-Barça) vaig arribar al teatre sobre les 8 menys algo; vaig demanar si tenien entrades per aquell mateix vespre; que fos a la fila 14, butaca 9; i que em féssin descompte. Sí a tot. És complicat anar al revés que tothom, però si ho aconsegueixes és fenomenal.

¿Qui té por de viure sense falses il.lusions? Jo. Tots.

Energia, aquesta és la paraula. Un remolí que s’enduia la platea sencera sense moure’ns dels seients. Em va encantar, em va entusiasmar. La Vilarassau no para, des del principi fins al final, és un doll de veritat i de vida. A mi no m’agrada massa l’Arquillué, però aquí em trec el barret. Els dos junts són pes, són escena, són joc, són drama.

El text d’Edward Albee estripa brutalment les relacions de parella, sense condemnar-les o jutjar-les en cap moment. Porta a l’extrem les petites discordances, vanitats i egoïsmes que conflueixen en qualsevol convivència conjugal; les fa enormes i ens les llança a la cara.

Mai havia vist una obra dirigida per en Daniel Veronese. Per tant la fama me’l precedia, i amb raó. Excel.lent. Tot vivia, fluïa; passava.

Juntament amb l’Emma Vilarassau i en Pere Arquillué completen el repartiment la Mireia Aixalà i l’Ivan Benet. Correctes, a l’altura. En alguns moments fins i tot vibrants.

És un plaer anar al teatre així. Que et diguin “vés a veure allò”, i que encara sigui millor del que t’esperaves. Que no et deixin respirar, que cridin, que facin coses, que tinguis la sensació de conèixer-los de fa molt i de que has viscut amb ells una gran experiència; que ets a la seva vida. Que allò que veus i casi toques és tota una vida. Que et sembli barato anar al teatre. A tots ells, un fort aplaudiment. Bravo!

GEORGE: ¿Qui té por de Virginia Woolf?

MARTHA: Jo.

Fins aquí.

l’Espera

Just abans de totes les festes vaig anar al Lliure de Gràcia a veure l’Espera, dirigida i adaptada per en Juan Carlos Martel. De fet vam anar a veure la Clara Segura. I amb una por: compartia escenari amb la Marta Marco. Les nostres pors es van veure confirmades, la Marco es passa l’obra cridant com una boja, passant-se els sentiments pel forro. Pel que fa a les nostres esperances, la Segura està molt bé, però no enlluerna. Al seu favor s’ha de dir que posava tota la carn a l’asador, però que les seves companyes de joc li ho posàven molt difícil.

El text original és obra de Remo Binosi, i el plantejament és captivador. L’autor obre una escletxa meravellosa per on el públic podem tafanejar en un ambient absolutament prohibit. Una pubilla adolescent veneciana, de molt bona família, reclosa en secret i en contra de la seva voluntat per amagar el seu embaraç il·lícit i vergonyós. I salvaguardar així les seves noces amb algun noble francès. Època: Renaixement. L’acompanyen en el seu captiveri la Dida -Isabel Rocatti, correctament plana- i una criada -la Segura- també embarassada, d’un clergue. Amb aquest esquema potser ja heu pogut endevinar que la filla d’en Lluís Marco era la prota. Sí, i efectivament ja no té edat.

Jo no havia vist mai actuar la Clara Segura en teatre, i possiblement les meves expectatives eren massa altes. El regust final era de desordre, interpretatiu, narratiu i visual. Faltàven caps per lligar, matissos que aclarir i pesantors que alleugerir. Es tracta d’una gran tragèdia, que com a tal s’ha d’anar enfosquint per arribar al final, però en algun punt la troca es va liar massa i es va precipitar una tempesta massa difícil de digerir. Em costa decidir si em va agradar o no, però sé que no em va entusiasmar.

Aquest any, més teatre.

Fins aquí.

¡Ay, Carmela!

Pero nada pueden bombas, donde sobra corazón. Doncs resulta que les bombes sí que podien. Amb mils d’homes i dones, milions de fet. Amb totes les ànsies de llibertat i amb els cors de tots aquells que segueixen, anònims, enterrats a les cunetes. Fins i tot amb les esperances mundanes d’aquells a qui els tocà viure el malson indiferents, almenys d’entrada. Dos còmics castizos i casposos, apolítics, resignats a la seva època; encarnen tants i tants espanyols a qui la guerra agafà a contrapeu, que un bon dia es veieren assignats a un dels dos bàndols sense que ningú els preguntés i sense imaginar-se’n les conseqüències. I sí, Sanchis Sinisterra és tendenciós. Per suposat que ho és. Per força no hem d’oblidar qui va provocar l’horror, i qui el va allargar en el temps, molt després d’acabada la guerra. ¡Ay, Carmela! és un crit, un cant a la vida, una sàtira de l’espanya fraticida que podia haver passat a l’altre bàndol, clar. Però la República va perdre. I es convertí així en la víctima, oblidada i trepitjada; a qui cal restituir la memòria. I que s’envolta d’una inevitable aurèola de puresa i bondat que, sense correspondre’s a la realitat, ens recorda que almenys els seus ideals sí que ho eren de purs.

La delicadesa i sensibilitat de la direcció (Víctor Álvaro) i dels actors (Savina Figueras i Frank Capdet) és admirable. La feina de la Carmela directament colpidora, gairebé diria que grandiosa. El text requereix aquesta posada en escena austera, i una interpretació relativament contradictòria. Una obra dins d’una obra, unes varietés exagerades, pomposes, ridículament grandiloqüents dins d’una tragèdia plena de matissos, delicada i brutalment humana. La pèrdua, el dol i la història. I un context, una Guerra Civil estúpida; contra el que un no pot evitar envoltar-se amb la tricolor, amb el pit al vent, cridant, fins l’extenuació i amb el puny esquerre ben amunt, ¡Ay, Carmela!

Fins aquí.

 

La Importància de ser Frank

La setmana passada vaig anar al Teatre Gaudí a veure aquesta comèdia d’Oscar Wilde. Una de les coses que vaig descobrir és que és l’única còmedia que va escriure Wilde al llarg de tota la seva vida. I tenint en poder de la meva ment aquesta informació sento la necessitat irreprimible de jutjar la peça des d’aquí. Porto tots aquests dies intentant triar una d’aquestes opcions:

Primera, sort que només en va escriure una de comèdia. Perquè òbviament no era lo seu.

Segona, els grans autors ho són encara que els treguis del seu “hàbitat” natural.

Finalment he decidit que les dues opinions no són necessàriament contradictòries. Wilde no escrivia comèdies i tot i així aquesta li va sortir molt bé; però no s’acosta ni por asomo a cap de les seves millors obres. L’obra té un rerefons de crítica social exquisit; revestit de superficialitat i aparent absurditat.

Jo m’ho vaig passar molt bé, però no em va agradar.

Com podeu comprovar no escric aquest post pels possibles futurs espectadors interessats sinó per ordenar les meves opinions contraposades.

L’obra és un tros de text, però quan un ha llegit al cartell “d’Oscar Wilde” es decepciona. Els secundaris es defensen de forma admirable. Parlo de la Montse Sagués i en Manel Solàs. Menció especial té a parer meu en Ferran Castells, qui fa dos papers: un secundari molt secundari i un protagonista secundari. I que en ambdós casos s’acosta a la grandesa.

Actuant al mateix escenari que els anteriors hi ha els protagonistes, entre ells el mateix director, l’Ivan Campillo. Amb la mà al cor: insuportables. Ni veritat, ni ritme; ni tan sols credibilitat.

L’escenografia és un pèl Heidi, tot i tenir sol.lucions interessants. El públic a quatre bandes és, en canvi, un gran encert.

Fins aquí.

 

Anita Coliflor

Hi ha un lloc preciós i relativament recòndid molt a prop de l’església del Pi. Es diu círcol Maldà i hi fan teatre. La sala és un antic saló senyorial amb sostres de sis metres com a mínim, rossetó, cornisa i mosaic d’escacs, amb una gran porta de fusta. El lloc és exquisit. L’obra que fèien diumenge també. Anita Coliflor.

No explicaré la sinopsi perquè la podeu trobar a internet. En canvi sí que vull subratllar els personatges. És increïble la humanitat d’uns personatges tan absurds posats en una situació encara més absurda. Set personatges absolutament oposats, tots ells portats al límit, compartint un espai. El perquè hi són no és massa important. Possiblement perquè necessitaven trobar-s’hi. Pur teatre. Relacions, emocions, caràcters.

A mi no em sona ni l’autor i director, Pablo Rosal; ni la majoria dels actors, però són tots esplèndids. No hi apareix cap companyia al tríptic. El text beu directament de Ñaque i Tot Esperant Godot, la novetat és que és una peça coral amb nou actors: els set personatges i dos “narradors” que no són visibles pels protagonistes però de quan en quan intervenen com si de titellaires es tractés.

Podríem debatre sobre quin dels Set ens ha arribat més, ens cau millor o està més aconseguit; o sobre si els narradors són realment necessaris, etc. Però per això l’haureu d’anar a veure.

Tot i que a mi l’estirada em va robar el cor…

Fins aquí.

Un tranvía llamado Deseo

Abans que res fa uns anys que per aquestes dates em volta una cosa pel cap: això que els espectacles en cartellera durant el juliol en diferents teatres de la ciutat els posem dins el Grec em sembla un timo. Tots ens hem entès, oi?

A partir d’aquí: no per evident crec innecessari reconèixer la grandesa d’aquest text de Tennessee Williams. Tant bona és l’obra que quan la poses en escena funciona encara que l’únic que valgui la pena sigui l’escenografia.

Sempre és un plaer anar al Tívoli. Aquest dimarts passat vaig demanar per un dels palcos del primer amfiteatre, que tenen una saleta i tot: incommensurable, la sala vull dir. I segueixo pensant que el minimalisme quan es fa omnipresent és molt incòmode. Per això ens fascinen els antics espais burgesos: són reconfortantment agradables. I allà al palco només ens faltava frac i vestit llarg per a la meva acompanyant…

Doncs es veu que allà a baix fèien una cosa una mica estranya. Hi havia uns actors interpretant sense gaire convicció uns personatges que no encaixàven ni amb pintura; dient, però, un bonic text que tenia molta versemblança. La meva impressió és que cada un dels actors defensava una adaptació del text oposada a les dels seus companys. Sota direcció de Mario Gas, Blanche Du Bois (Vicky Peña) vivia alguna cosa entre Allò que el Vent s’endugué i Escenas de Matrimonio; Kowalsky (Roberto Álamo) potser era el més creïble però en canvi per a mi vivia en alguna barriada perifèrica de Madrid en l’actualitat. Finalment Stella (Ariadna Gil) feia una versió cinematogràfica hiperrealista i minimal, traducció: més plana que el teló.

El que jo vaig trobar més a faltar va ser el personatge omniscient: Nova Orleans, el mestissatge francoafricà, la decadència surenya; i aquesta química del Mississipi fluint entre els actors. Tampoc vaig aconseguir empatitzar amb Blanche, metàfora de tots aquells que vivim en l’estreta línia que separa seny (cordura) i bogeria.

Fins aquí.

Coses que dèiem avui, by Natàlia Chillón

Fer de maruja

No us ha passat mai que, mentre fèieu cua al súper o validàveu el tiquet de tren, heu callat o heu fet callar a qui us acompanyava per a escoltar converses de la gent que estava vora vostre? No heu gaudit sovint de les tafaneries alienes a la terrassa del bar o frisat amb les xafarderies mentre esteníeu la roba al cel-obert?

És curiós. Ens agrada escoltar les vides dels altres i, sobretot, descobrir que aquestes són pitjors. Que, tot i que el bolso d’aquella dona sigui car i preciós, l’home que l’acompanya no para de mirar l’escot de la joveneta voluptuosa que té al davant. Que, per molt que tinguem de tot, mai ho tenim del tot.

I sí, el fet de comprovar que tant les millors com les pitjors coses no ens passen a nosaltres mateixos ens neguiteja. Envegem la sort que tenen alguns i ens en fotem dels desgraciats que pateixen.

Doncs tot això s’ha acabat. Els dies en què gaudíem dels problemes aliens amb total impunitat han arribat a la fi i el nostre defecte no restarà mai més amagat. Julio Manrique ens ha descobert i ens renta la cara amb un drap brut. Davant els nostres ulls esbomba aquest materialisme del que fèiem ostentació, aquest narcisisme i l’afany involuntari de possessió. I, a més, se n’aprofita del seu estat de gràcia des que va fer aquesta mena de pacte no escrit amb LaBute, perquè exerceix amb proesa de braç executor, mitjançant la transcripció de tres grans experiències de les quals sembla que n’hagi sigut testimoni.

LaBute triomfa si qui el representa és Manrique. Ja fa temps que hem descobert que un posa els ous i que l’altre en fa una truita que és caprice des dieux.

És Neil Labute aquell personatge mut que s’asseu a la cantonada del bar i s’esforça per escoltar les converses dels de la taula del davant? Pel seu posat modern i contemporani juraria que, darrere de les seves ulleres de pasta negra, escriu en una llibreta tipus Moleskine, i m’agradaria pensar que escriu amb una Waldmann. Veieu el que us deia? Ja ho estic tornant a fer.

Com que el tàndem entre els dos artistes és més que sòlid, únicament necessiten el filtre de Cristina Genebat, l’actriu que exerceix, en aquest primer moment i una vegada més, el paper de traductora. És ella qui converteix la versemblança yankee en versemblança catalana.

Lluc Castells, Jaume Ventura i Daniel Aznar creen l’espai idoni: escenografia, llums i so. I dic idoni perquè ells també ajuden a sentir-nos voyeurs, ens faciliten la sensació que som a una quarta taula del restaurant, del bar de copes, de la cafeteria. Som la mirada que escolta el “So long as men can breathe, or eyes can see, / So long lives this, and this gives life to thee”.

Per les relacions, mentir és el principi de la fi. Per alguns, només és el principi, i van tirant fins que els deixen. Llavors, en el moment que els enganxen, ho deixen anar tot, de cop, amb més o menys facilitat. No som Èdip ni Medea, però Coses que dèiem avui ens demostra que no cal ser aquests mites de la tragèdia grega per viure una peripècia dramàtica. Els girs inesperats de la trama, que trenquen el nus i acceleren el desenllaç són presents en les nostres vides, com ho eren vint-i-cinc segles enrere.

Ara tenim xats de cites, l’Spotify (mentre ens deixin), targetes de crèdit i rituals coneguts per tothom per a prendre’ns un chupito de tequila, però seguim mentint i seguim necessitant que ens expliquin la veritat.

Per tot allò que comentàvem, de que no som bones persones, que ho sabem però que no ens agrada que ens ho diguin –i menys dues vegades, per això no em repetiré-, és bo formar part del pati de butaques, encara que només sigui una nit. El ventall de tòpics i de reaccions són prou amplis com per a poder-nos-hi identificar.

Són els de la taula del costat, els que estan dalt de l’escenari, els que es purguen. Criden, bramen, escolten les veritats que no volien sentir. Homes i dones baixes, que fan accions encara més baixes, que es purguen de les baixes passions. L’amor i les relacions amoroses són l’excusa, com ho eren les revelacions que tenien els protagonistes tràgics.

Per tot això, sigueu tafaners. Sacieu la vostra ànsia xafardera. Permeteu-vos creure que els desgraciats són els altres. Si fumeu, feu un piti abans d’entrar –us farà falta- i guardeu-vos-en un per després –ja m’enteneu-, perquè gaudireu de teatre del bo, de l’espectacle del dia a dia. Perquè a tots ens ha passat, perquè us hi veureu reflectits. I qui digui que no, menteix.

La inventora de Nubila Wahlheim respira sobre los personajes de Sófocles

El títol és un títol. Ui, comencem malament. Vull dir que això tan llarg és el títol d’una obra de teatre. Dimecres vaig anar a veure aquest espectacle al Teatre del Raval, dins el marc de la Mostra de Teatre de Barcelona. Per qui vagi perdut: parlo del festival aquell que es feia en diverses sales petites, perdó: alternatives, de la ciutat. I que des que l’organització disposa d’un teatre propi es concentra en aquest sol espai. Van per l’edició 10 i moltes crec. Dic crec perquè es deuen haver cansat de comptar, i ara li diuen 2.0. I s’han quedat tan amples. Teatre per internet? No pas. Però suposo que si no dius que portes 20 anys muntant la cosa i, en canvi, ho relaciones amb les noves tecnologies sona més fresc. En tot cas el cartell no té desperdici.

http://www.teatredelraval.com/mostra-teatre-barcelona/mostra-v2-0/

(Desperdici és correcte en català? No ho vull buscar perquè si resulta que és un barbarisme ho hauré de canviar i em ve molt de gust dir-ho)

Igual sembla que m’estigui liant. És un tribut a l’espectacle en qüestió. Enteneu-me: és molt bonic, té moltes coses interessants, el text és commovedor i preciós. Però per mi s’han fet un lio (atzucac). Han agafat dos textos i els han barrejat. Un de Sòfocles (Filoctetes, pot ser?) i un altre d’una senyora que es diu Angèlica Lidell, que es veu que es de Figueres, filla d’un Guàrdia Civil i que pel que es veu creu que Sarah Kane tenia encara molt per dir. I com que es va suïcidar (la Kane), doncs ho diu ella. Perdoneu si els trets biogràfics de la de l’Empordà són inexactes: incult de mi jo no la conec i les fonts no contrastades són converses de cantonada. Una de les intèrprets (cinc noies) és una bona amiga meva, i la veritat és que està esplèndida. I no perquè la conegui, si no m’hagués entusiasmat simplement ho passaria per alt i no en diria ni una paraula. Va resultar que una altra de les intèrprets era una nena que havia anat amb mi a classe de petits, i que mai més ens havíem vist des que jo vaig canviar de poble i d’escola als… 9 anys?, potser 8. Doncs resulta que la nena en qüestió, contravenint qualsevol lògica elemental, no s’ha quedat en el cos que jo recordava sinó que ha crescut i s’ha convertit en una dona amb presència dalt l’escenari. Increïble. El món mocador i bla bla bla.

Tornem a l’espectacle. Pel meu gust té dos problemes importants. D’una banda es converteix en una palla mental impossible de desxifrar per l’espectador, i això a mi em molesta, perquè diria que és expressament. És el que passa quan mescles dues coses que no tenen res a veure. I dic que és expressament perquè s’hi recreen. El ritme és extraordinàriament lent i cansant; i el text no passa. Sí que passen algunes coses, però no tenen massa a veure amb el que es diu. Pauses inacabables que no sabem on van, accions precioses que no condueixen a cap trama. A mi em falta concreció, voluntat de dir quelcom concret, de voler arribar a un lloc. Visualment és captivador i ben difinit; la conjunció dels textos prou encertada, i algunes de les reflexions simplement brillants. Jo em quedo amb aquesta: “Estoy viva o estoy escrita?”.

Com a exercici teatral em sembla molt interessant i valorable. Com a posada en escena, en canvi, no hi trobo la voluntat de l’espectacle, de voler arribar al públic.

A aquells a qui fascina la paraula i la transcendència dialèctica per sobre de l’acció teatral us pot entusiasmar. Sé que després de la Mostra volen fer més bolos, però de moment no conec ni dates ni teatres.

La companyia es diu Projecte Margot, l’adaptació i direcció corre a càrrec de les pròpies actrius.

http://www.projectemargot.com/

Fins aquí.